:
23.03 2018 - 13.05 2018

Sidsel Palmstrøm

SLIPP

SLIPP er en stedsspesifikk installasjon. Her danner 300 meter manilatau og et hundre år gammelt skap det materielle utgangspunktet for rommets transformasjon. Tauverket danner linjer i rommet, fra stram struktur til et organisk virvar. Et mål er å skape et spenn mellom orden og kaos, og usikkerhet knyttet til situasjonen. Palmstrøm utforsker bevegelsen fra det faste til det flyktige, mellom et hold og et fall, mellom anstrengelse og overgivelse.

En rekke myter og metaforer knytter seg til tau, rep og tråd. De representerer noe dypt eksistensielt, nettopp fordi tauet og trådens konkrete funksjoner er uvurderlig forbundet med menneskets overlevelse og historie. Kryssende tråder og tau danner utgangspunkt for tekstile flater av mange slag. Det er ikke primært vevnaden, den to dimensjonale flaten som fanger Palmstrøm sin interesse, men tauet og trådens mulighet for å tegne i rom og danne tredimensjonal form; et rom i rommet.

Tema for Palmstrøms kunstneriske arbeid de siste årene har vært å undersøke noe som er under press, under trykk, blir holdt sammen, bundet og surret fast. Et tekstilt univers under tvang brukes for å belyse ulike typer sårbarhet. Hun søker å finne et balansepunkt der det i møte mellom idé, materiale og teknikk oppstår noe som peker utover det materielle, gir flertydig klangbunn og liv til tanke, assosiasjon og sansning. Disse perspektivene har vært med i arbeidet med SLIPP.

Vi holder fast ved og knytter oss til forestillinger om livet, følelser, ideer, relasjoner, ting, tradisjoner og vaner. Enorme krefter brukes på å opprettholde feste, skape holdepunkt, fotfeste, tilhørighet og binding. Vi holder og støtter, klamrer, surrer, presser, trekker, drar, løfter og bærer… Og så slipper vi taket, og på et eller annet tidspunkt vil vi oppgi, avstå, glemme, innstille, gi slipp, la fare og falle. Vi legger fra oss.

Sidsel Palmstrøm (1967) tok hovedfag ved Institutt for tekstil ved Statens Håndverks og Kunstindustriskole i 1995.Hun har hatt en rekke utstillinger i inn- og utland og er blant annet innkjøpt av Nasjonalmuseet, Kode, Nordenfjeldske Kunstindistrimuseum og Norsk forskingsråd.

Foto: Sidsel Palmstrøm


SLIPP is a site-specific installation. Here, 300 meters of manila rope and a hundred-year-old cabinet form the material starting point for the transformation of the room. The rope forms lines in the space, from tight structure to an organic whirl. One goal is to create, within the situation, a tension between order and chaos, as well as an uncertainty. Palmstrøm explores the movement from the fixed to the fluid, between holding and falling, between effort and surrender.

A number of myths and metaphors can be tied to rope, wire, and thread. They represent something deeply existential, precisely because rope and thread’s concrete functions are invaluablely bound human survival and history. Crossing threads and ropes form the basis of many types of textile surface. It is not primarily the weave, the two-dimensional surface that captures Palmstrom’s interest, but the possibility of rope and thread drawing in space and forming three-dimensional shapes; a room in the room.

The theme of Palmstrøm’s artistic work in recent years has been to investigate something that is under pressure, under force, being held together, bound, and lashed fast. A textile universe under duress is used to illuminate different types of vulnerability. She seeks to find a point of balance where, there in the meeting of idea, material, and technique, arises something that point beyond the material, giving ambiguous resonance and life to thought, association and sensation. These perspectives have been part of the work with SLIPP.

We stick to and associate with ideas about life, feelings, ideas, relations, things, traditions, and habits. Enormous effort is used to maintain attachment, create a point of reference, a foothold, belonging, and bond. We hold and support, cling, whirr, squeeze, pull, tug, lift, and carry. And then we let go, and at one point or another we will give up, renounce, forget, adjust, let go, and fall. We leave it.

Sidsel Palmstrøm (1967) graduated from the Department of Textiles at Statens Håndverks og Kunstindustriskole in 1995. She has had a number of exhibitions both nationally and internationally, and has been purchased for the collections of the Norwegian National Museum, Kode, Nordenfjeldske Kunstindistrimuseum and Norwegian Research Council.

:
23.03 2018 - 13.05 2018

Anita Hanch-Hansen

Det som var

Anita Hanch-Hansen jobber i leire, og er opptatt av materialets historie og referanseramme. I sitt kunstnerskap undersøker hun sykliske endringsprosesser forbundet med vekst, transformasjon og forfall. Hun utforsker leira og porselenet på ulike stadier som ubrent, råbrent, høytbrent, glasert og uglasert i ulike kombinasjoner med hverandre. Hun ser på hvilke kvaliteter som oppstår i forhold til skjørhet, tetthet, porøsitet, farge og styrke. Hvor langt kan man strekke og tøye materialet før det går i oppløsning?

Arbeidene blir til ved gjentatte omganger av modellering, dypping, helling, brenning og glasering. Naturmaterialer som stein, sand, skjell, sopp, planter, kvister og bark blandes med leira i denne prosessen. De organiske materialene kan avgi farge, eller sette strukturelle spor etter brenning. I samarbeid med objektenes form og tilstedeværelse utvikler hun hele tiden nye glasurskalaer, hvor disse blir komponert av forskjellige råstoffer og bygget opp i bestemte systemer.

Møtet med leiras overflate, farge og taktilitet fører meg inn i en verden hvor det fysiske arbeidet er viktig. Leira er en del av jordens masser og har vært med på å danne opphav til alt liv. Ingenting rundt oss er konstant, alt er i en stadig bevegelse, kun avhengig av tid. Jeg inspireres av naturen, dens sårbarhet og styrke, og trekker paralleller til materialets iboende egenskaper. Leira gjennomgår ulike stadier, fra å være myk og formbart til å bli hard som stein.

Anita Hanch-Hansen (1971) bor og arbeider på Dilling i Rygge kommune. Hun har en master i medium og materialbasert kunst (MFA) fra kunsthøgskolen i Oslo 2015. Etter endt utdanning har hun deltatt på en rekke utstillinger i både inn og utland, og er blant annet innkjøpt av Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum i Trondheim.


Anita Hanch-Hansen works in clay and is concerned with the material’s history and frame of reference. In her practice she explores cyclical processes of chance associated with growth, transformation and decay. She explores clay and porcelain at various stages, such as unfired, bisque fired, high-fired, glazed and unglazed, in different combinations. She looks at the qualities that arise in terms of fragility, density, porosity, colour and strength. How far can you stretch and push the material before it dissolves?

The work comes to be through repeated rounds of modeling, dipping, pouring, firing, and glazing. Natural materials, such as rock, sand, shells, mushrooms, plants, twigs and bark are mixed with the clay in this process. The organic materials can emit color or leave structural traces after firing. In conjunction with the shape and presence of the objects, she is constantly developing new glaze mixes composed of different raw materials and built up into specific systems.

Meeting with the surface, color and tactility of the clay leads me into a world where the physical work is important. Clay is a part of the Earth’s mass and has been part of the formation of all life. Nothing around us is constant; everything is in steady movement, dependent only on time. I am inspired by nature, its vulnerability and strength, and draw parallels with inherent properties of materials. Clay undergoes different stages, from being soft and malleable to becoming as hard as rock.

Anita Hanch-Hansen (1971) lives and works in Dilling in the municipality of Rygge.
She graduated with a Master’s in Medium and Material-based Art (MFA) from Oslo National Academy of the Arts in 2015. Since completing her education she has participated in a number of exhibitions both nationally and internationally, and has been purchased by the collection of Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum in Trondheim.

:
23.03 2018 - 13.05 2018

Kristin Opem

Ludo

Utstillingen LUDO viser arbeider fra 2016-2018. Opem bruker steingodsleire som brennes oksyderende til 1 245 grader. Hun påfører flere lag med glasur og brenner flere ganger for å få liv og spenn i farger og overflater.

Kristin Opem har i en årrekke arbeidet med dreieskiva som utgangspunkt og skapt individuelle krukker i steingods. Kunstneren beskriver prosessen fra idé til ferdig uttrykk som transcenderende; krukka blir et vesen med integritet og egenart. Vesentlig i arbeidsprosessen er forholdet til tid. Den myke leira krever full tilstedeværelse, og tid som objektivt fenomen opphører å eksistere. Her oppstår leken og improvisasjonen. Mange av arbeidene viser slektskap med ting i naturen og kroppen.

Kunstneren har stor respekt for sine forgjengere innen faget. Hun bruker det hun trenger fra tradisjonen, noen ganger bevisst og andre ganger ubevisst. Kunstneren tilbrakte i studietiden et år på Island, noe som skulle vise seg å få avgjørende betydning for det estetiske uttrykket.

Jeg står i en tradisjon. En lang rekke av utøvere, bakover i tid. Hender, som ikke finnes lenger, formet i leire og brente: Små, fete gudinner i museer. En hankeløs mugge. Et potteskår. Gjennom tingene de skapte, finner deres hender fram til mine. Jeg står i en samtid. Den omkranser meg, brer seg ut på alle kanter, lar meg ikke i fred. Bussturer, kunst, politikere, mine medmennesker. Og en tom mage.

Kristin Opem (f. 1963) bor og arbeider i Klæbu. Hun har sin utdannelse fra SHKS i Oslo, Kunsthåndverkskolen på Island og universitetet i Trondheim der hun tok hovedfag i tysk litteratur. Opem har stilt ut både nasjonalt og internasjonalt, og er innkjøpt til blant annet Trondheim kommune, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, KODE og Nasjonalmuseet.


Work from 2016–2018 is presented in the exhibition LUDO. Kristin Opem uses
stoneware that can be oxidation fired up to 1245 degrees. She applies several layers of glaze and goes through the firing process multiple times, to give some life and contrast to the colors and surfaces.

Opem has for a number of years worked with the potter’s wheel as a starting point, creating individual vessels in stoneware. The artist describes the process from idea to finished work as transcendent; the vessel becomes a being with its own integrity and character. Essential to the working process is a relationship to time. The soft clay requires full presence; time as an objective phenomenon ceases to exist. Here arises play and improvisation. Many of the works display a kinship with the body and things in nature.

The artist has great respect for her predecessors in the field. She uses what she needs from the tradition, sometimes consciously and sometimes unconsciously. Opem spent one year in Iceland during her education, something that would prove to be of crucial importance for her aesthetic expression.

I’m in a tradition. A large number of practitioners, throughout time. Hands—that no longer exist—shaped in clay and burned. Small, fat goddesses in museums. A handleless mug. A potsherd. Through the things they created, their hands find their way to mine. I’m in a contemporary age. It encircles me, stretches out on all sides, does not leave me alone. Bus tours, art, politicians, my fellow human beings. And an empty stomach.

Kristin Opem (b. 1963) lives and works in Klæbu. She`s educated from SHKS in Oslo, The Arts and Crafts School in Iceland and the University of Trondheim, where she graduated in German literature. Opem has exhibited both nationally and internationally and has been purchased for the collections of the municipality of Trondheim, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, KODE and the Norwegian National Museum.

:
2.02 2018 - 18.03 2018

NINA MALTERUD

Der ute

Utstillingsåpning fredag 2. februar kl. 18.00

Nina Malterud viser nye arbeider i Galleriet 02.02 – 18.03. I denne utstillingen vises to større arbeid for vegg, bygget opp ved sammensetning av mindre deler, og en serie av enkeltstående objekter også for vegg. Malterud arbeider i leire og glasur og utvikler overflaten gjennom mange brenninger. Uregelmessigheter i brenningen ivaretas og bygges på videre slik at hver enkelt del får en særegen karakter.

Utstillingen er kalt DER UTE særlig med tanke på de to store arbeidene, som kan assosiere til vær, til vind, til utsyn i landskap uten klare grenser for jord og himmel. Leirgods, som fysisk sett er jord, tett og kompakt, kan lage bilder om luft, vann og rom, sin egen motsetning. Arbeidene er sin materielle realitet, og samtidig en illusjon om noe helt annet. De mindre arbeidene kan leses som bilder fra en ytre sfære, med bevegelser i verdensrommet, kloder og satellitter – eller de er bare tynne plater av leire.

Nina Malterud (1951) er utdannet ved Statens håndverks- og kunstindustriskole, Oslo, 1971-74. Hennes arbeider er innkjøpt av blant andre Kunstindustrimuseene i Oslo, Bergen og Trondheim, Norsk kulturråd, Nordnorsk Kunstmuseum og Drammen Museum. Hun var professor ved Kunsthøgskolen i Bergen 1994–2002 og rektor ved samme institusjon 2002–2010. Hennes siste utstillinger inkluderer brikke, øye, hud i Galleri Format Oslo 2017, Collect, London 2017 og 2018 og årsutstillingen Kunsthåndverk 2017.

Mer på
www.ninamalterud.no

Foto: Øystein Klakegg

:
2.02 2018 - 18.03 2018

Trine Hovden

tidens tempo

Utstillingsåpning fredag 2. februar kl.18.00

Tidsbegrepet og gjentagelsen er gjennomgående tema i verkene til Trine Hovden som arbeider med leire og silketrykk med utgangspunkt i fotografiet. I denne utstillingen er bruk av silketrykk en måte å skape repetisjon, men håndverket gjør at hvert trykk blir individuelt. Hovden er opptatt av nyansene i denne repetisjonen som ikke er nøyaktig den samme, som innebærer forandring og har noe av både fortiden og fremtiden i seg.

Trine Hovden er utdannet ved Kunsthøgskolen i Bergen med hovedfag ved seksjon for keramikk i 2005. Etter endt utdanning har hun deltatt på en rekke kollektivutstillinger i både inn og utland. Hun har hatt flere separatutstillinger og offentlige utsmykkingsoppdrag. Verkene hennes er blant annet kjøpt inn av KODE, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum og Kunstmuseet Nord-Trøndelag.

www.trinehovden.no

(Foto: KRAFT)

:
2.02 2018 - 18.03 2018

Helene Førde

NATURAL CAPITAL

Natural capital er en installasjon som er inspirert av betydningen av salt og sjø med utgangspunkt i handelsbyen Bergen.

Natural capital er spesielt laget for Prosjektrommet på KRAFT, og i arbeidsprosessen med verket har Førdes undersøkelser først og fremst tatt utgangspunkt i det historiske og nåtidige området Vågsbotn/Vågsbunnen, et område som har endret seg kraftig gjennom århundrene. Undersøkelsene har satt i gang refleksjoner over områdets vekst opp fra fjorden, og den uløselige, vedvarende tilknytningen til havet og sjøveiene, samt selve byggets forhistorie som tidligere Norges Bank. Etterhvert i prosessen ble arbeidet fokusert rundt salt.

Salt var en viktig importvare for Bergen i tidligere tider, en av de viktigste, og en sentral konserveringsmetode for mat. Salt ligger igjen når hav forsvinner. Salt er et livsnødvendig næringsmiddel og har derfor hatt høy verdi gjennom tidene. Salt har blitt anvendt som pengemiddel, bl.a. ble romerske soldater delvis betalt i salt, og herav kommer ordet ”salary”, av det latinske ”salarium”. Salt har bidratt til å skape sentrale handelsruter. Salt-handelen har en viktig rolle i politisk historie.

Førdes verk består av tre typer salt i større mengder; havsalt for fiskerinæringen, veisalt og saltstein for landbruket, samt vanndråper som drypper ned fra taket. Disse typene av salt har svært forskjellig karakter og reagerer på ulike måter i møte med for eksempel vann, varme og kulde. Saltet dekker gulvet og er ment for å gå på. Ved å bevege seg i verket blir man omsluttet av saltduften og man får oppleve lyden av det grovkornete saltet under føttene. Besøkende må lage sine egne stier gjennom saltlandskapet.

Salt-tuene som vannet drypper ned på vil i løpet av utstillingsperiodens seks uker gradvis endre utseende og karakter på grunn av krystalliseringsreaksjonen mellom fordampende vann og salt. Saltsteinen fra landbruket har en form som minner om gullbarrer, og relaterer på denne måten også til Norges Bank, den ærverdige tidligere eieren og byggherren av dette bygget. Salt har ofte blitt referert til som det hvite gullet.

Helene Førde jobber hovedsakelig med installasjoner, skulpturelle arbeider og lyd. Et gjennomgående trekk ved Førdes arbeider er at hun jobber stedsspesifikt. Hun er interessert i å utforske persepsjon og underliggende minner, og stedets særegne historie, stemning og karakter. Gjemt eller kjent kulturhistorie sammenkobles med ny tids politiske utfordringer og samfunnsendringer.

Helene Førde er utdannet fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen, samt Nordic Sound Art Program, med en Master i kunst fra 2014. Samme år vant hun den internasjonale lydkunstprisen Sonotopia. Førde har de siste årene vist arbeider i Norge, Sverige, Finland, Tyskland og Italia.

www.heleneforde.com

(Foto: Helene Førde)

:
10.11 2017 - 22.12 2017

Made in Bergen retail

julebutikk

Åpning fredag 10 nov. kl 18.00

A cup of Me, Anne Angelshaug, Barnslig, Gurdish Haugsdal, Higren, Knot, Mijo, Northern Spells, Paola Design, Simen Langeland, Stene Matglede, Arvid Hope, Twin Design og Vilven

Made in Bergen retail er et butikkonsept med fokus på design, mote og kunst. Alt i butikken har en tilknytning til Bergen, enten ved at produktet har sitt utspring her, eller at personen bak bor i byen.

Made in Bergen retail oppstod i 2011 som en pop-up-butikk. Konseptet var å selge design, mote og kunst med lokal tilknytning. Den nomadiske butikken hadde lokaler på Bryggen, i Sparebankgaten, Markveien i Oslo og til slutt i Skostredet. I 2014 la butikken ned fordi butikklokalet skulle renoveres. I år gjenoppstår Made in Bergen retail for en kort periode, på KRAFT og på Julemarkedet på Festplassen.

(Foto: DEERIROM av Cup of Me / Jeanette Sundal)

:
3.11 2017 - 22.12 2017

KNEIP

JØRGEN PLATOU WILLUMSEN og STIAN KORNTVED RUUD

Åpning fredag 03 nov. kl 18.00
Kunstnerpresentasjon lørdag 02 des. kl 14.00

sirkel, seismoksop, oxi, maske, bord, lin, benk, blyant, eik, kull, blå, penn, skje, linjer, refleksjon, titan, stol, tre, cyanoacrylate, transistor, rystelse, uro, firkant, stearin, stål, oksidasjon, maleri, messing, passer, resonans, resistor, skriver, skål, betong, plate, henger, lys, kjeks, redskap, rund, valnøtt, papir, lampe, kondensator, furu, glass, akustikk, ansikt, kobber, parallell, polyuretan, tralle, krets

For tre år siden sto JØRGEN PLATOU WILLUMSEN og STIAN KORNTVED RUUD ovenfor et valg.
Om de skulle ta del i en verden styrt av masseproduksjon og profitt eller skape sin egen plattform hvor de selv kunne styre verdiene som ligger til grunn for de valgene som tas, og de objektene som produseres. Kneip ble etablert som en felles plattform der de utvekslet ideer, teknikker og kunnskap. En plattform der de kunne selge produkter laget av dem selv med et bevisst forhold til materialer. Individuelt hadde de hele tiden jobbet med kunstprosjekter på siden, og design i fellesskap. Med Kneip åpnet det seg en mulighet der de kunne kombinere alt de fant interessant. Småskala produksjon, eksperimentering med material egenskaper til rene kunst installasjoner. Kneip gikk fra å være en felles plattform til å bli et felles prosjekt.

(Foto: kneip)

:
3.11 2017 - 22.12 2017

Before Balloons

ANDREAS DYRDAL

Åpning fredag 03 nov. kl 18.00

Gummi-ballongen—noe som jeg nylig har tenkt over, men kanskje ikke har vært fullstendig bevisst på—må stå i entusiasmens tegn. Ikke sjeldent er det ballongen som vektlegges når siste prikken over i-en skal legges, eller henges er det vel, i det som på alle måter kan tolkes som en situasjon av vesentlig festlig karakter og lek. Det er gummi-ballonger man tenker på når man skal gjøre gøy gøyere, og ikke minst når man vil understreke det festlige. Til og med å henge ballonger er forent med entusiasme.

På vei til studioet mitt henger det en klase gummi-ballonger. Hvem som har hengt dem der, eller hvorfor, vet jeg ikke. Sett bort ifra denne manglende konteksten, har de gjort det relativt hyggelig å komme på arbeid—gummi-ballonger har vært påminnelse om muligheten for lek. Som oftest i relasjon til arbeidene mine er det prosessen av å se det samme om og om igjen som skaper interessen min for å arbeide med et objekt. I studioet mitt har jeg derfor prøvd å henge ballonger med lignende entusiasme, slik man kanskje også gjorde det der ute i gangen, for så å lage bilder av dem. Dessverre har jeg også i denne prosessen måttet vedgå at det er lite som er festlig ved mitt arbeid. Å lage bilder av ballonger er som å se dem allerede punktert. Det er som å prøve å materialisere en tilstedeværelse som aldri kan gjenoppstå i fotografi. Jeg har derfor stått foran situasjonen, og ikke bare ballongen, og prøvd å løse meg selv opp; slippe taket og la ballongene få spillerom, eller rettere sagt: la ballongene få lov til å diktere meg—som om det var ballongen selv som satte premissene for sin egen fotografiske reproduksjon.
——
Andreas Dyrdal (1979) fullførte sin mastergrad i Kunst, ved tidligere Kunst- og Designhøyskolen i Bergen, i 2017. Han arbeider i grenselandet mellom fotografi og installasjoner/objekter, der det kunstneriske hovedfokuset er å utfordre forståelsen av fotografi som både et dokument av det avfotograferte, et materielt objekt og som en aktivitet.
Med en tidligere utdanning innen samtidsdans og 10 års arbeid som frilans scenekunstner, har Andreas Dyrdal videreført flere problemstillinger til sitt nåværende arbeid. Han arbeider i likhet med sceniske arbeider med å utøve materialer og objekter, og drar paralleller mellom fremstillingen av disse objektene og fremstillingen av sceniske verk: i rom der den fjerde veggen eksisterer; et usynlig plan som skiller forestilling fra publikum i et teater; konstruksjon fra virkelighet. Disse tilnærmelsene kan tolkes som et forsøk på å skape samtaler rundt iscenesettelse.

(Foto: Andreas Dyrdal)

:
31.10 2017 - 5.11 2017

Come to Finland

Reiseplakater fra årene 1890-1950

Utstillingen “Come to Finland” består av reproduserte reiseplakater fra Finland, og er en del av markeringen ”Finland 100 år”.

Vinteren 2017, ved planleggingen av markeringen av Finlands 100 år som selvstendig stat, fikk Norsk-finsk forening i Bergen tilbud fra Come to Finland Publishing Ltd. om å motta reproduksjoner av kunstplakater fra utstillingen med originalplakater som da ble vist ved Nasjonalmuseet i Helsingfors. Plakatreproduksjonene vises nå for første gang i Norge, og er et utvalg fra plakatsamleren Magnus Londén sin omfattende samling originalplakater.

Utvalget er fra årene 1890-1950 og viser hvordan Finland i disse årene ønsket å profilere seg som et eget, spennende reisemål. De eldste plakatene, fra henholdsvis 1893 og 1909, er laget mens Finland ennå var del av keiserdømmet Russland. Under første verdenskrig var behovet for reklameplakater begrenset, men på 1930-tallet blomstret turistnæringen, og som i finlandsturismens første år, ble flere av Finlands mest berømte kunstnere engasjerte for å lage forlokkende plakater i tidens stil. I krigsårene 1939–44 hadde kunstnerne naturlig nok annet å tenke på enn å lage turistreklame. Men i etterkrigsårene begynte man igjen å ane en våknende selvtillit, og humor kom inn som et nytt aspekt ved plakatene. Hver plakat har sin lille fortelling som man lese ved siden av den enkelte plakat, og samlet forteller dette en anderlededs side av Finlands historie.

Utstillingen er støttet av Come to Finland Publishing og Bergen kommune.

I KRYPTEN viser vi billedserien “100 år – 100 gjenstander”.
Billedserien 100 år – 100 gjenstander viser gjennom de utvalgte gjenstandene – et bilde for hvert år av selvstendighet – Finlands 100-årige historie. En gjenstand fra Finland betyr i denne konteksten ikke bare ”Made in Finland” men fremfor alt ”Life in Finland”. Mye viser designprodukter, innen industri eller kunsthåndverk, fra de enkelte årene, men noe har også mer allmennmenneskelige referanser. Det gjelder særlig begynnelsen av selvstendighetsperioden i 1917, de vanskelige første selvstendighetsårene, krigsårene 1939 – 1944 samt de nærmeste årene etter krigen. I disse årene var der lite tid for design og kunstnerlig virksomhet. Utstillingen begynner derfor med et bilde av et barkebrød. I 1917 herjet ennå 1.verdenskrig ute, kornhøsten slo feil og det var sult i landet, noe som medførte stor sosial uro. I 1918, det første året etter selvstendighetserklæringen, brøt det ut en blodig borgerkrig, noe som skulle prege landet i årevis fremover. Dette illustreres av bildet som er knyttet til 1918- en granatspiss. Utstillingen viser ellers flere kjente gjenstander som mange har sett eller kanskje eiet tilsvarende selv. Det siste bildet – året 2017- viser innholdet i ”babypakken” som alle nybakte mødre får gratis.

Billedserien er laget av Finske Estlandsinstituttet som 100-årsgave til Finland, og en større utstilling med alle gjenstandene som i billedform ruller frem på skjermen, er på vandring i Europa. Den har vært vist i Oslo i september i år. Den store utstillingen er kuratert av forfatter Anna Kortelainen og designer Pekka Toivanen.

:
29.09 2017 - 29.10 2017

HYBRIDS

KRISTINE TILLGE LUND OG GITTE JUNGERSEN

Åpning fredag 29 sept. kl 18.00

I keramikkutstillingen HYBRIDS viser de danske kunstnerne Kristine Tillge Lund og Gitte Jungersen ny verk rundt temaet ”Hybrider”. De to keramikerne har arbeidet hver for seg med egne verker, men hele tiden i tett dialog rundt temaet. Begge tar utgangspunkt i keramikken som fenomen, -som en forvandlende prosess hvor de raffinerer de mest basale naturråstoffer, leire og mineraler, fra jorden vi kommer fra og står på.

Alle objektene i utstillingen kan derfor sees på som nettopp hybrider, som krysninger mellom det naturlige organiske og det menneskeskapte.

(Foto: Niels Christensen)

Bilder fra utstillingen:

:
22.09 2017 - 29.10 2017

ARKIVET / Verdiløs

Putte H. Dal, Hilde Dramstad, Elsie-Ann Hochlin, Camilla Luihn & Ella Heidi Sand

Utstillingsåpning fredag. 22. september kl 18-20
Kunstnersamtale ARKIVET ved Putte H. Dal, lørdag 23. september kl13.00

ARKIVET er en kunstnergruppe bestående av Putte H. Dal, Hilde Dramstad, Elsie-Ann Hochlin, Camilla Luihn og Ella Heidi Sand. Som smykkekunstnere har de hvert sitt kunstneriske særpreg. Felles for gruppen er at de gjerne jobber temabasert og har en konseptuel tilnærming til faget. Siden gruppen ble dannet i 2014 har de stilt ut en rekke steder i Norge og internasjonalt.

Med prosjektet Verdiløs ønsker gruppen å belyse hvordan verdi oppfattes i dagens samfunn. Hva gjør noe verdifullt? Hva er verdiløst? ARKIVET fremmer et visuelt og mentalt assosiasjonsrom for en diskurs om hvilke sosiale og økonomiske mekanismer som styrer hva som anses som verdifullt. ARKIVET fremhever det kommunikative med smykker og velger å fortelle noe om menneskeverd, politiske aspekter, selvfølelse og miljø.

Foto: Refusert, Avslag, Utvist av Camilla Luihn

:
22.09 2017 - 29.10 2017

AFTER DARK

Christina Peel 

Utstillingsåpning fredag. 22. september kl 18-20

Christina Peel viser en installasjon av lys og leire, med utgangspunkt i meteoritter som er milliarder av år gamle. Installasjonen belyser en forståelse av tid, både kosmisk tid og geologisk tid. Tittelen After Dark danner et bakteppe for utstillingen og referer til et fosforiserende pigment brukt på flere av arbeidene. Fargen fremstår nærmest usynlig i vanlig lys, men åpenbarer seg i kontakt med ultraviolet lys. Denne lyskilden kan publikum selv styre, og slik aktivt ta del i utstillingen.

Med geometriske former, volum og strukturer komponerer Christina Peel komplekse vegg- og takinstallasjoner i leire. Lys, refleksjoner og skyggevirkninger er viktige virkemidler i arbeidene.

Foto: After Dark, 2017 - Porselen og fosforiserende glasur, 20x20x12 cm. 
Fotokredit: Anders Bergersen

Bilder fra utstillingen:

:
18.08 2017 - 24.09 2017

MULTIPLY – mitt hjem

Temautstilling NK 2017

Utstillingsåpning fredag. 18 august kl 18-20
Kunstnersamtale lørdag 19. august kl13.00 med Silje Bergsvik som moderator

Utstillingen MULTIPLY-mitt hjem er en gruppeutstilling med kunsthåndverkere og designere som alle deltar med verk som lar seg mangfoldiggjøre i en småskalaproduksjon. Tema for utstillingen er «Mitt hjem». Verkene i utstillingen skal passe i private hjem for personner som søker etter merverdi i objekter de velger å omgi seg med, objekter som bryter med den masseproduserte. Dette vil bli en annerledes salgsutstilling, der kunst og design smelter sammen, med høy kunstnerisk og håndverksmessig kvalitet. Hensikten med mangfoldiggjøringen er at det skal være mulig å kjøpe verk direkte fra utstillingen.

I utstillingen deltar både nyetablerte og veletablerte kunstnere side om side. Kuratorgruppen, bestående av Mona Høie (leder), Gunilla Åkesson, Constance Kristiansen og Terje Johnsen, har vært tro mot intensjonen i utlysningsteksten og funnet frem 14 sterke utstillere. Èn av dem er Lars Beller Fjetland, Bergen, som nettopp mottok Scheiblers Designpris for 2017.

Fra åpen invitasjon valgte kuratorgruppen ut 9 prosjekter med kunstnerne: Elisabet Seeger Halvorsen, Sigve Knutson, Aron Li, Sofia Karyofilis, Heidi Winge Strøm, Gunnar Thorsen, Marianne Berg, Siri Brekke & Per Tore Barmen (duoen Barmen & Brekke) og Vilde Jensen Hjetland. Kuratorgruppen har i tillegg invitert 4 kunstnere direkte: Kari Dyrdal, Anne Djupvik Andersen, Lars Beller Fjetland og Kirsten Vikingstad Storesund.

Flere arrangementer i forbindelse med utstillingen vil snart bli annonsert.

Foto: Øystein Klakegg / HYLLE av Marianne Berg

:
18.08 2017 - 17.09 2017

Keramikk utstilling

Helene Kortner

Utstillingsåpning fredag. 18 august kl 18-20

Helene Kortner (1966) er keramiker. Hun har hovedfag fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen, og verkene hennes er innkjøpt av blant andre Kunstindustrimuseet i Oslo, Vestlandske Kunstindustrimuseum og Sørlandets Kunstmuseum.

Mer informasjon tilkommer.

:
18.08 2017 - 17.09 2017

MULTIPLY- mitt hjem

Temautstilling NK 2017

Utstillingsåpning fredag. 18 august kl 18-20
Kunstnersamtale lørdag 19. august kl13.00 med Silje Bergsvik som moderator

Utstillingen MULTIPLY-mitt hjem er en gruppeutstilling med kunsthåndverkere og designere som alle deltar med verk som lar seg mangfoldiggjøre i en småskalaproduksjon. Tema for utstillingen er «Mitt hjem». Verkene i utstillingen skal passe i private hjem for personner som søker etter merverdi i objekter de velger å omgi seg med, objekter som bryter med den masseproduserte. Dette vil bli en annerledes salgsutstilling, der kunst og design smelter sammen, med høy kunstnerisk og håndverksmessig kvalitet.

I utstillingen deltar både nyetablerte og veletablerte kunstnere side om side. Kuratorgruppen, bestående av Mona Høie (leder), Gunilla Åkesson, Constance Kristiansen og Terje Johnsen, har vært tro mot intensjonen i utlysningsteksten og funnet frem 14 sterke utstillere. Èn av dem er Lars Beller Fjetland, Bergen, som nettopp mottok Scheiblers Designpris for 2017.

Fra åpen invitasjon valgte kuratorgruppen ut 9 prosjekter med kunstnerne: Elisabet Seeger Halvorsen, Sigve Knutson, Aron Li, Sofia Karyofilis, Heidi Winge Strøm, Gunnar Thorsen, Marianne Berg, Siri Brekke & Per Tore Barmen (duoen Barmen & Brekke) og Vilde Jensen Hjetland. Kuratorgruppen har i tillegg invitert 4 kunstnere direkte: Kari Dyrdal, Anne Djupvik Andersen, Lars Beller Fjetland og Kirsten Vikingstad Storesund.

Flere arrangementer i forbindelse med utstillingen vil snart bli annonsert.

Foto: BarmenBrekke©2017 / KVAST

:
9.06 2017 - 6.08 2017

Et kvadratisk tekstil, to tau, 15 tankerekker senere 

MARIT TUNESTVEIT DYRE 

På en undergrunnstasjon sør i Europa ble jeg for en tid tilbake oppmerksom på en gruppe unge gutter som solgte solbriller, vesker og fotballdrakter presentert på bakkenivå, på lyse kvadratiske tekstiler. I tekstilens fire hjørner var et tau knyttet fast, tauene var videre samlet i selgerens hånd slik at selgeren raskt kunne snurpe sammen sin mobile butikk og løpe om politiet kom.

Funksjonen og bruksområdet til tekstilen fanget umiddelbart Tunestveit Dyre sin interesse, hvordan selgerne raskt og enkelt kunne variere mellom å presentere og skjule sine varer ved hjelp av et enkelt tekstil, midlertidig og bærbar. Inspirasjonskilden er flersidig og kompleks, og den tekstile konstruksjonen ble for kunstneren et visuelt symbol, en synliggjøring av komplekse sosiale, økonomiske og politiske spørsmål og utfordringer. Tunestveit Dyre finner det interessant at en så enkelt sammensatt konstruksjon kan igangsette så mange aktuelle, utfordrende og interessante tanker og spørsmål.

Kunstneren finner inspirasjon til sine arbeider gjennom å observere omverden, i dialog, i selvopplevde situasjoner, gjennom samhandling og i spørsmålene som oppstår i møte med det ukjente, det uhåndgripelige, det som trigger, fascinerer og eller irriterer. Hun er interessert i mellommenneskelige relasjoner, i hvordan vi samhandler og kommunisere med hverandre, både privat, nasjonalt og globalt. Hun er opptatt av sosiale og kulturelle hierarkier og ulikheter.

Tunestveit Dyre gikk i 2013 ut fra Kunst- og design høyskolen i Bergen med en Bachelor i spesialisert kunst tekstil og en Master i Kunst. Hennes arbeider har de senere årene tatt form som performance, som skulpturelle objekter som krever og eller inviterer publikum til deltakelse, i flagg form, som foto, i tekst form og som tegning. Tunestveit Dyre har deltatt på utstillinger og performance festivaler i Norge, Sverige, Polen, Thailand, England og Tyskland.

Utstillingen er fullfinansiert av kunstneren.


MARIT TUNESTVEIT DYRE
A squared textile, two ropes, 15 chains of thoughts later

On a subway station in southern Europe, a while ago, my attention was drawn towards a group of young boys who sold sunglasses, handbags and football t-shirt presented at ground level on light square fabrics. In the textiles four corners a rope was attached, the ropes were further assembled in the hand of the seller so that the seller could quickly wrap his mobile shop together and run if the police arrived.

The function and application of the textile immediately caught Tunestveit Dyre`s interest, how the sellers quickly and easily could vary between presenting and hiding their goods using a single textile, temporary and portable. The source of inspiration is multilateral and complex, and the textile construction became for the artist a visual symbol, a visualisation of complex social, economic and political issues and challenges. Tunestveit Dyre finds it interesting that such a simple composite construction can initiate so many current, challenging and interesting thoughts and questions.

The artist finds inspiration to her work by observing the outside world, in dialogue, in self-experienced situations, through interaction and in the questions that arise when faced with the unknown, the unthinkable, something that triggers, are fascinating and or annoying. She is interested in interpersonal relationships, in how we interact and communicate with each other: private, national and global; And she is concerned with social and cultural hierarchies and inequalities.

Tunestveit Dyre graduated in 2013 from Bergen Academy of Art and Design with a Bachelor in specialised art textile and a Master in Fine Arts. In recent years, her works have taken the form of performance, as sculptural objects that require and invite the audience to participate, as flagg, as photo, in text form and as drawing. Tunestveit Dyre has participated in exhibitions and performance festivals in Norway, Sweden, Poland, Thailand, England and Germany.

The exhibition is fully funded by the artist.

:
12.05 2017 - 6.08 2017

mens du blir til jord

John K. Raustein

Velkommen til utstillingen mens du blir til jord av av John K. Raustein.
I forbindelse med utstillingen har kunsthistoriker Janeke Meyer Utne skrevet teksten ET LANDSKAP I TÅKE.
Trykk på tittelen for å lese teksten.

Utstillingen mens du blir til jord består av nyproduserte tekstile arbeider i varierende formater, som inngår i en total og romlig installasjon, hvor de enkelte verkene fremstår nærmest som scenografi for underliggende fortellinger. Installasjonen er spesifikt laget for Galleriet, KRAFT – rom for kunsthåndverk.

I Rausteins praksis står abstraksjonen av mentale og taktile minner sentralt. Det tematiske utgangspunktet i hans arbeider er ofte selvbiografiske fortellinger fra barndom, oppvekst og nåtid. Raustein er kontinuerlig på søken etter hvordan vage minner gis et fysisk uttrykk. Han forsøker gjennom formale undersøkelser å gripe minnenes fysiske forankring. Hva utløser et minne? Han søker triggerne – et indre bilde, et glimt av noe, en farge, en lyd, en lukt, eller et sted – og etterstreber å visualisere en kroppslig følelse av eksistensiell uro.

Rausteins arbeider er romlige og lekne, samtidig som de fremstår som insisterende intime på grensen til det ubehagelige.Raustein tvetydige verk appellerer til betrakterens egne erfaringer. Verkene er humoristiske men de inneholder også elementer av vemod og forstyrrelser. Arbeidene formidler mentale og taktile minner vi har med oss; hvordan det var å dra et par barnefingre langs frynsene på en lampeskjerm, broderiene på en duk eller rysjene på en gardin, eller som ubehaget ved å sette seg på et trikkesete hvor kroppsvarmen fra forrige passasjer fortsatt henger igjen.

I utstillingen mens du blir til jord er alle arbeidene laget av det samme materialet, og i samme farge. Arbeidene er laget av store mengder lys grå bomullslerret, med de små variasjonene som ligger i materialet rull for rull og de nyansene som ulike innfarginger gir.


The exhibition mens du blir til jord consists of newly produced textile works in different formats, which are included in a complete and spatial installation. Here each work appears almost as scenography for underlying stories. The installation is specifically made for KRAFT’s gallery.

An essential part of Raustein’s works is the abstraction of mental memories. The thematic starting point for his works is often autobiographical stories from childhood, adolescence and the present. Raustein is continuously trying to figure out how vague memories are given a physical expression. Through formal research he tries to get hold of the memories’ physical weight. What triggers a memory? He seeks the triggers – an inner image, a glimpse of something, a color, a sound, a smell, or a place – and strives to visualize a bodily feeling of existential turmoil.

Raustein’s works are spatial and playful, but at the same time they appear insistent on being perceived as intimate and on the border of uncomfortable. The ambiguous work appeal to the viewers’ own experiences. The works are humorous, but also contains elements of wistfulness and disruptions. The works convey mental and tactile memories that we carry with us: How it felt as a child to touch the fringes of lampshades, the embroidery on a tablecloth or the ruffles on a curtain, or the unpleasantness of sitting on a tram seat where the body heat of the previous passenger is still lingering.

In the exhibition mens du blir til jord all the works are created by the same material and color. The works are made by large amounts of light grey cotton canvas, with the small variations that lies in the material roll by roll and the nuances of the different color processes.

Foto: Antti Bjørn      

Utstillingen er støttet av Norsk Kulturråd og Billedkunstnernes Vederlagsfond.

Bilder fra utstillingen:


:
12.05 2017 - 6.08 2017

Kontrastene

Katarzyna Chrzanowska

Katarzyna Chrzanowska interesserer seg for håndverket som tradisjon, og har i flere prosjekter utfordret materialets muligheter. Hun utforsker kontrastene mellom det menneskeskapte og naturens egen geometri. I denne utstillingen, som består av objekter i porselen og steingods, setter kunstneren fokus på samspillet mellom det som er skjørt og det som er solid. Hun er utdannet ved Academy of Art and Design, Institutt for keramikk og glass i 2010, Wroclaw (Polen).


KATARZYNA CHRZANOWSKA
KONTRASTENE

The aesthetics of Katarzyna Chrzanowska´s biomorphic sculptures are the result of an artistic practice that seeks to explore, experiment and master the balancing act between intended and experienced contrasts. The opposites of light and dark, sharp and soft, the imaged versus that which can be realised with the materials of porcelain and stoneware are exposed and revealed.

The artist says this about her approach to her work: I have chosen to work and experiment with porcelain and stoneware. Those materials depicture a contrast between their colors, structures, esthetic and work process. Porcelain is soft, white and kind of demanding material, stoneware is harsh and dark. Both of them are fragile, but after firing extreme durable. It is a constant play between the strength and the softness. Work with both of them allows me to create divergent forms with the adequate finish.

In being contrary there is also room for playfulness and falibility which opens up and invites the view to engage in the implied intentions and constructed details of the work.  Geometry in the nature, sharp edges and arched lines inspire Chrazanowska´s work as an artist. With these objects she invites the viewer to engage with the contrasts of multidimensional material details.

:
6.05 2017 - 21.05 2017

FIRING UP

Elevarbeider inn i gallerirommet

Velkommen på åpning Lørdag 6. mai kl 13.00.

Elever fra Slettebakken skole v/ Anna Kukielka; Os ungdomsskule v/ Siri Haaskjold; Minde skole v/ Åse Kvalbein og dokumentasjon fra lærerkurs v/ Birgit Brühl.

Profesjonelle keramikere har besøkt skoler rundt om i landet. De har vært gjestelærere og formidlet sin kunnskap om leire og keramikk til elever og lærere. Nå stiller flere av de deltakende elevene og keramikerne ut arbeider hos oss.

Prosjektet Firing Up er initiert av Norske Kunsthåndverkere.

To av keramikerne, Siri Haaskjold og Åse Kvalbein, holder gratis leireverksted lørdag 27. og 28. mai, kl 12–15 begge dager.

:
21.04 2017 - 30.04 2017

Finding collaboration

MA1 studentene, KMD (Fakultet for Kunst på UiB)

Hva skjer når man gir opp kontrollen over sitt eget arbeid til fordel for en gruppe?

Hva skjer når masterstudentene fra første året ved Institutt for kunst kommer sammen for å undersøke begrepet samarbeid? Er det mulig å beholde sin individuelle stemme i en større gruppe? Og vil personlige egenskaper, meninger og overbevisninger fremdeles være synlig i det endelige resultatet? Hva risikerer man ved å dykke inn i det ukjente sammen? Vil begrepet og undersøkelsen sette studentenes individualitet på prøve?

Fra den 18. til den 27. april vil KRAFT være sentrum for disse undersøkelsene og publikum blir invitert til å delta i betraktningene gjennom diskusjoner og ulike aktiviteter. Hver dag forflyttes resultatene av samarbeidet til KRAFT og Prosjektrommet blir sted både for en livestream av prosessen og av de konkrete resultatene som oppstår underveis.

__________________________________________________________________

Does working together put our individuality at risk?
What happens when we give up control?
Why does it feel so uncomfortable to dive simultaneously into the unknown together?

FINDING COLLABORATION is a group project by all of the first year master students from UiB, department of Fine Art. They research different ways of working together through group activities, discussions, games and tasks. You are herby invited to take a closer look at the intimate details of their conversations, doubts, possible failures and solutions, through the live stream from Rom8, and the artwork in the room.

“This project asks that we deliberately push ourselves, forcing it a little, into a collective experiment with a public exposition as the outcome. The collaborative process demands a trust that challenges our personal comfort zones. This exercise is both scary and complicated, yet there is a strong desire to find room for each individual voice within the collective. After all, everyone’s individual qualities are precisely what makes a group dynamic and it’s outcome interesting.”

Click to view the project website

Masoud Alireza, Samet Bayat, David Breida, Samuel Brzeski, Paul Calloc’h, Julia Cremers, Noëlie de Raadt, Ruben Eikebø, Robin Everett, Sigrid Fivelstad, Floriane Grosset, Anna Gruneau, Maria Hillestad Lystrup, Audrey Hurd, Ariadne Iribarren Irigoyen, Charlotte Jonsmyr, Anniken Jøsok Hessen, Iben Isabell Krogsgaard, Laurie Lax, Lucila Mayol, Hanne Maren Meldahl, Sara Plantefève-Castryck, Susanne Quist, Anita Rufus Pamer, Ingrid Skåland Eriksen, Øystein Skråstad, Dafna Staretz, Martin Stråhle, Gudrún Tara Sveinsóttir, Renate Synnes Handdal, Marianne Toppe, Brynhild Winther

:
24.03 2017 - 7.05 2017

Piken med tipien, og SHKS-husken

Hilde Angel Danielsen

Hilde A. Danielsen arbeider i store format med romlige skulpturer som har referanser til arkitektur. Hun har i lengre tid plassbygd kunstverk ved alternative og tverrfaglige visningsarenaer, men også ved etablerte arenaer for kunst – nasjonalt og internasjonalt.

Temaer som går igjen i hennes verker er uhåndgripelige ord og begreper; tid, overganger, mellomrom, endringer og verdi. Hun iscenesetter og skaper kunstuttrykk ved bruk av metaforer så vel som bokstavelig tolkning av ord og dets mangfoldige betydning. Ved å benytte kjente byggeelementer i nye sammensettinger åpner det for frie refleksjoner om eget liv så vel som den tid og det samfunnet og verden vi lever i.

Til utstillingen Piken med tipien, og SHKS-husken på KRAFT viser hun nye verk i prosjektet Gazebo uno, som er skapt i forhold til rommet og byggets historie.

:
24.03 2017 - 7.05 2017

C.R.E.A.M

Lasse Årikstad

Lasse Årikstad (1983) arbeider med maleri, skulptur, collage, tegning og installasjon. Utstillingen C.R.E.A.M består i hovedsak av nye arbeider som er produsert de siste seks månedene under et opphold i Buenos Aires, Argentina.

Årikstad har en stor spennvidde i sitt kunstnerskap og verkene er ofte en personlig bearbeidelse av populærkulturen og kunsthistorien, med overraskende momenter i materiale, form og farge.

Årikstad avsluttet sin master ved KHiB i 2014, og har siden da hatt stor utstillingsvirksomhet med separatutstillinger i København og Buenos Aires, i tillegg til gruppeutstillinger i Norge, New York, Riga, Romania og Russland. Verkene hans er innkjøpt av Sørlandets Kunstmuseum, Brian Eno, KORO og Norwegian Hull Club (Bergen).


C.R.E.A.M

Lasse Årikstad (1983) works with painting, sculpture, collage, drawing and installation. The exhibition C.R.E.A.M essentially consists of new works produced in the last six months during a stay at Buenos Aires, Argentina.

Årikstad has a wide span in his artistic oeuvre and the works are often a personal processing of the popular culture and the history of art, with surprising elements in choice of materials, shapes and colors.

Årikstad completed his MA degree at KHiB in 2014, and has since then had several exhibitions: solo exhibitions in Copenhagen and Buenos Aires, as well as group exhibitions in Norway, New York, Riga, Romania and Russia. His works are purchased by Sørlandets Kunstmuseum, Brian Eno, KORO and Norwegian Hull Club (Bergen).

:
22.03 2017 - 9.04 2017

Smakebiter fra Stockholm Furniture & Light Fair 

Studenter fra KMD Bergen

Astrid Emmerhoff Lothe, Camilla Figueroa, Frid Smelvær Høgelid, Lea Naglestad Sangolt, Lena Mari Skjoldal Kolås og Vilde Sæternes Johannesen.

Bachelorstudenter ved Fakultet for kunst, musikk og design ved UiB stiller ut fengselsdesign på Nordens største møbelmesse.  I denne utstillingen presenteres et utvalg av studentenes objekter som på ulike måter tar utgangspunkt i et prosjekt de har hatt sammen med Kriminalomsorgen Region vest i Bergen fengsel og Bjørgvin fengsel. Studentene har laget møbler og objekter fra de innsattes avdelinger i fengselet, som fengselsceller, spiserom eller besøksrom eller objekter som kan lages av de innsatte i fengselets verksteder.


Astrid Emmerhoff Lothe, Camilla Figueroa, Frid Smelvær Høgelid, Lea Naglestad Sangolt, Lena Mari Skjoldal Kolås og Vilde Sæternes Johannesen.

Bachelor’s degree students from the Faculty of Fine Art, Music and Design will be showing work recently presented at the prestigious Stockholm Furniture & Light Fair. These objects are based on a project they developed in collaboration withThe Region West Correctional Services at Bergen and Bjørgvin Prison. The students made furniture and objects for the inmate’s sections of theprisons, such as prison cells, the mess hall or visit room, or designed objects that can be made by the inmates in the prison workshop.

:
3.02 2017 - 19.03 2017

STORM

TIM EKBERG

Utstillingen  STORM  er Tim Ekbergs første separatutstilling etter endt utdannelse, og en videreføring av masterprosjektet han fullførte på Kunst- og  Designhøyskolen i Bergen i 2016. Ekberg mottok Norske Kunsthåndverkeres studentpris, og juryens begrunnelse var denne: Vinneren viser med dette prosjektet en vilje til å utforske materialets grenser. Ved å bruke akrylmaling på en måte som gir assosiasjoner til marmorering, skaper han en spenning mellom form og flate. Kontrastene  i materialiteten kommer sterkt frem I overflatene. De oppleves  som harde og myke, glatte og taktile om hverandre. Verkene skaper vekslinger mellom det to- og tredimensjonale.

Tim Ekberg works with a starting point in different materials and their inherent characteristics. The process itself and the variations that occur during are the driving forces behind the work. In 2016 Ekberg completed a Master in Fine Art at Bergen Academy of Art and Design. ‘Storm’ is his first solo exhibition after graduating, and the works showing in the vault is an extension of his master’s project. Ekberg was awarded the Norwegian Association for Arts for Crafts’ student prize for his master’s project.

:
3.02 2017 - 19.03 2017

Faux Départ

Yto Barrada

Yto Barradas film Faux Départ er en meditativ reise gjennom Atlasfjellenes landskap, et filmessay som viser de mest kreative tilvirkerne som fabrikerer fossiler, samt meditasjoner over geologisk tid og planetens historie. Faux Départ er en kritisk kommentar til den fetisjistiske tørsten etter fremmede objekter, og en underfundig meditasjon over viktigheten eller uviktigheten av autentisiteten. Yto Barrada var født i Paris i 1971 og vokste opp i Tanger, Marokko. Hun studerte historie og statsvitenskap på Sorbonne og fotografi i New York. Arbeidene hennes, både fotografier, filmer, publikasjoner, installasjoner og skulpturer, forholder seg til den særegne situasjonen i hennes hjemby, Tanger.

The film Faux Départ is a part of the artit´s project Faux Gides, which is based on exploration of the Moroccan identity and the question of origins and also arrangements for collecting and displaying at natural history, ethnography and archaeology museums. In this project the artist thinks through the status of the archives and industry developed around archaeological digs. The film Faux Départ is a journey through the landscapes of the Atlas mountains and a description of the work of the counterfeiters. It is at once a reflection on geological eras, the history of our planet and also the history of France. Yto Barrada was born in Paris in 1971 and grew up in Tangier, Morocco. She studied history and political science at the Sorbonne and photography in New York. Her work — ranging across photographs, films, publications, installations and sculptures — engages with the peculiar situation of her hometown Tangier. Exhibitions of her work have been shown at the Tate Modern, the Renaissance Society, Witte de With, MoMA, the Centre Pompidou, Whitechapel Gallery, the Walker Art Center in Minneapolis and the 2007 and 2011 Venice Biennale. She was the Deutsche Bank Artist of the Year for 2011 after which her exhibit RIFFS toured widely. She is the 2013 recipient of Robert Gardner Fellowship in Photography, Harvard University, the awardee of The Abraaj Group Art Prize 2015 and won recently the Prix Marcel Duchamp 2016.

Yto Barrada
Faux départ, 2015
Video, Color, sound, 22:43 min.
Edition 5 + 1 a.p.
Courtesy the artist and Sfeir-Semler Gallery, Beirut / Hamburg

:
3.02 2017 - 19.03 2017

TOPOGRAFISK LANDSKAP

TONE SAASTAD

Topografisk Landskap (Topographic Landscape) er et nytt stoppested i en lang prosess der farge og fargen per se har vært ledetråd og motivator. I denne prosessen har jeg vekselsvis undersøkt farge som lys og farge som pigment, ikke som en systematisk studie, men basert på en personlig logikk og motivasjon. Hva kan farge være for meg? I utgangspunktet er jeg ute etter farger med en slags sanselighet, med sug og dybde. I tillegg er materialitet / immaterialitet og rom / arkitektur sentrale element i min kunstproduksjon. I denne rominstallasjonen opptrer fargen både som pigment og som lys. De digitalt trykkede tekstilarbeidene er komposisjoner basert på frossede øyeblikk fra lysinstallasjonen Topographies of Colour, der stadig skiftende fargekomposisjoner og kombinasjoner ble projisert på og gjennom semitransparente silkelengder, fylte rommet og omkranset publikum. I tillegg til fargene, har plan og linjer vært viktige i disse tekstile komposisjonene. Fargepigmentene i tekstilene er bundet til silke/bomullsstoffibrene gjennom fysisk påvirkning og kjemiske reaksjoner. For meg er fargepigmenter i sin konsentrerte pulverform visuelt fantastisk fascinerende. I videoverket Aerial, tar jeg pigmentene med videre i en retning som nå kan minne mer om alkymistens forsøk på å forvandle ting til gull. Hva slags gull kan jeg finne? I Aerial påvirker jeg pigmentene fysisk og kjemisk og ser hvilke reaksjoner som oppstår. Aristoteles sine 4 elementer gir retningslinjene: Jord (fargepigmenter) og Vann tilføres Ild, koker, fordamper og blir til Luft. Og prosessene presenteres via eteren i form av videoprojeksjoner. Alt henger sammen med alt.

Topographic Landscape is a new stage in a long process where colour and colour per se have been the guides and motivators. In this process I have alternately researched colour as light and colour as pigment, not as a systematic study, but based on a personal logic and motivation. What can colour be for me? At the outset, I am after colours with a kind of sensuality, colours with depth and an allure. Additionally the materiality/immateriality and space/architecture are central elements in my art production. In this spatial installation colour acts both as pigment and light. The digitally printed textile works are compositions based on frozen instants from the installation Topographies of Colour, where slowly shifting colour compositions and combinations filled the room and encircled the audience. In addition to the colours, planes and lines have also been important in these textile compositions. The colour pigments in the textiles are bound to silk/cotton fibres through physical processes and chemical reactions. For me, colour pigments in their concentrated powder form are, visually, fantastically fascinating. In the video work Aerial, I take the pigments further in a direction more resembling the alchemist’s attempts to transform things into gold. What type of gold can I find? In Aerial I treat the pigments physically and chemically to see which reactions occur. Aristotle’s four elements give the guidelines: with the addition of Fire, Earth (colour pigments) and Water boil.

:
25.11 2016 - 29.01 2017

POP UP-BUTIKK

KUNSTHÅNDVERK

 

15129593_1816593445280489_8648014716446989783_o

KRAFT inviterer til POP-UP-butikk i Prosjektrommet. Her vil dere finne noe av det beste det norske kunsthåndverksfeltet har å by på. Vi har fylt hyllene med et bredt utvalg kortreist kunsthåndverk – et spennende mangfold av blant annet glass og keramikk.

Åpningstider: tirsdag–fredag 11–17, lørdag-søndag 12–16, mandager stengt.

Les mer om POP UP-BUTIKK

:
11.11 2016 - 31.12 2016

DE GRUNNLEGGENDE BESTANDDELER

ANNE THOMASSEN

I mine arbeider har jeg alltid vært opptatt av kaos, enten gjennom en indre eller ytre oppløsning. Kaos knyttet til en form for overskridelse og dekonstruksjon der det ligger en kritikk av strukturer som sedimenterer vår forståelse av kjønn og makt. Samtidig kan jeg ikke la være å fascineres av menneskets streben etter orden, eller søken etter en form for oversikt og forståelse. At vi prøver å kontrollere en virkelighet som er ukontrollerbar. Der katastrofen finnes og feilene skjer, oppstår også humor og det absurde.

For meg representerer leire et skapende kaos, noe positivt, noe som gir muligheter, et potensiale. Leire er grunnleggende ingenting, ingen fast form, bare grunnstoffer. Materialet kultiveres i geologiske prosesser der luft, vann og ild skaper endring. Ut fra denne erfaringen tømmes aldri leire for mening.

Tittelen «De grunnleggende bestanddeler» er hentet fra Houellebecq sin roman med samme navn. Hollerbecque sies å dissekere tilværelsen. Hans metode er oftegjennom provokasjoner å utfordre forflatelsen, konsensus og likegyldighet i samfunnet. Ved å bruke vitenskapelig terminologi, enten som bilder på menneskelige emosjoner eller som et maktspråk, oppstår et skinn av objektivitet og saklighet jeg finner resonans i.

Til denne utstillingen har jeg hatt fokus på det ukontrollerbare: kropp, geologi og astrofysikk. Ved å føre sammen disse tre tilsynelatende helt ulike feltene, forsøker jeg å skape en form for Babelsk forvirring, gjennom titler og tilhørende referanser.

– Anne Thomassen

Les mer om DE GRUNNLEGGENDE BESTANDDELER

:
11.11 2016 - 23.12 2016

KINGDOM OF THINGS

GABRIEL JOHANN KVENDSETH

Gabriel Johann Kvendseth arbeider i skjæringspunktet mellom kunst og håndverk. Referansene er ofte våpen, verktøy, skapelse, ødeleggelse, urkultur og popkultur. Han har opparbeidet en særegen materialforståelse basert på tilgangen til avfalls-, gjenbruks- og naturmaterialer. Arbeidene tilvirkes vanligvis med et beskjedent utvalg håndverktøy. Kvendseth fullførte master ved Kunst – og Designhøgskolen i Bergen i 2013.

Foto: Thor Brødreskift

Les mer om KINGDOM OF THINGS

:
30.09 2016 - 6.11 2016

MEN INNI ER JEG

INGRUNN MYRLAND

VELKOMMEN TIL UTSTILLINGSÅPNING 30. SEPTEMBER, KL 18:00!

Ingrunn Myrland jobber med tekstilskulptur og installasjon. Myrlands installasjoner og tablåer inviterer deg inn i en privat intimsfære. Arbeidene modelleres fram med håndsøm og symaskin. Former, farger og materialer peker mot kropp og figurnære plagg. Arbeidenes oppbygging og struktur er inspirert av overflater og geometri i naturen. På KRAFT vil hun vise et modulbasert veggarbeid, en rominstallasjon og flere mindre studier som på ulike måter tematiserer opplevelser fra innsiden. Myrland har en master i tekstil fra Kunstøgskolen i Oslo. Verkene hennes er innkjøpt av KODE – Kunstmuseene i Bergen og Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum i Trondheim.

Les mer om MEN INNI ER JEG

:
30.09 2016 - 6.11 2016

SOMETHING HAPPENS EVERY DAY

KJERSTI LANDE

VELKOMMEN TIL UTSTILLINGSÅPNING 30. SEPTEMBER, KL 18:00!

Kjersti Lande har en allsidig praksis innenfor tegning, maleri, collage, grafikk og installasjoner. Hun samler inn og tar vare på gjenstander og bilder av tilsynelatende ubetydelig verdi, ofte på grensen til avfall. Sammen med Landes tegninger danner materialer fra denne samlingen tablåer hvor funnede gjenstander møter materialer slik som gips, lakk, papp, tre og andre bruksmaterialer. Lande fullførte sin master i kunst ved Kunsthøgskolen i Oslo i 2014. 

Les mer om SOMETHING HAPPENS EVERY DAY

:
30.09 2016 - 13.11 2016

ELEVATION

SOFIA KARYOFILIS

VELKOMMEN TIL UTSTILLINGSÅPNING 30. SEPTEMBER KL 18:00!

Sofia Karyofilis skaper skulpturelle objekter ved å modellere plater av metall med hammer. Hun lager beholderformer inspirert av kroppslige situasjoner eller tilstander. Samspillet med materialets spesifikke egenskaper, muligheter og begrensninger, gjør at hun stadig utfordrer materialet til det begynner å gå i oppløsning og inntar ny form Karyofilis fullførte sin master i metall og smykkekunst ved Kunsthøgskolen i Oslo våren 2014.

Les mer om ELEVATION

:
2.09 2016 - 25.09 2016

FIELDWORK

KERSTIN JUHLIN

VELKOMMEN TIL UTSTILLINGSÅPNING 2. SEPTEMBER KL 18:00!

Kerstin Juhlins prosjekter er ofte motivert av sosial samhandling. Hun arbeider innenfor ulike uttrykksformer: bilder, spill, lyd, tekstil, skulptur og nye medier. FIELDWORKtar utgangspunkt i Skopje, Makedonia, sommeren 2016. Arbeidet består av en lydcollage basert på opptak fra parkene og gatene i Skopje hvor regjerings kritiske protester tar plass. Juhlin har en master i kunst fra Kunst- og Designhøgskolen i Bergen (2013).

Les mer om FIELDWORK

:
19.08 2016 - 25.09 2016

TREACHEROUS TREASURE

BENJAMIN SLOTTERØY

Slotterøy forholder seg til den stramme formen til blåst glass, og kontrasterer dette opp mot det intuitive, slumpmessige og tilfeldige i glassets egen materialitet. I møtet mellom disse ulike kvalitetene – det planlagte og det umiddelbare – dannes et handlingsrom og potensiale Slotterøy ønsker å utnytte i produksjonen av sine verk. Tematisk kretser utstillingen omkring ’vann’ gjennom dets manifestasjon og tolkning i glass, samt problematiseringer av vannet som ressurs og årsak til konflikter.

Les mer om TREACHEROUS TREASURE

:
19.08 2016 - 25.09 2016

BARE DU KAN HØRE DET

ANN KRISTIN AAS

Aas jobber med objekter og installasjoner. Hennes arbeider tar utgangspunkt i naturmaterialer og gjenstander som hun finner. I det visuelle uttrykket forsøker hun å belyse ulike problemstillinger i møtet mellom natur og kultur. Aas samler på ting som bærer preg av levd liv. Hun er opptatt forgjengelighet og det sanselige potensialet i materialene/gjenstandene. Tingene bærer sin historie med seg, men ved å plassere de i nye og uventete sammenhenger skjer det noe i opplevelsen av dem. Hun er opptatt av å ta vare på og å løfte frem.

Aas er fascinert av de gamle forundringskabinettene (Cabinets of Curiosites). Historisk sett består et forundringskabinett av sjeldne dyre,- og plantearter og ofte verdifulle gjenstander. Hun er opptatt av det som finnes nært rundt seg, og ser etter det assosiative, metaforiske og estetiske potensiale i det. Objektene hun finner bearbeides, iscenesettes og presenteres som en samling hvor fortid møter nåtid.  

Aas har verksted i Moss, og er med å driver kunstnerkollektivet og litteraturhuset House of Foundation.

www.annkristinaas.no

Les mer om BARE DU KAN HØRE DET

:
19.08 2016 - 28.08 2016

PERI OG PETI VENDER OM

HELGA GUNERIUS ERIKSEN

Helga Gunerius Eriksen er forfattar av eit tjuetals bøker for barn og unge, dramatikk, bøker for vaksne, tverrkunstnarlege prosjekt, tekstar til tidsskrift og terreng, ny musikk og ballett, utstillingskatalogar og antologiar. Ho har motteke Kritikarprisen, Brageprisen og Samlagsprisen. Eriksen er cand.mag. i keramikk og filosofi, og har illustrert eigne bøker på porselen og tekstil. Si siste bok har ho illustrert med applikasjon og broderi.

Les mer om PERI OG PETI VENDER OM

:
10.06 2016 - 31.07 2016

HANSEartWORKS

I SAMARBEID MED HANSADAGENE

Som et symbol på handel, regelverk og kunstneriske muligheter, er kunstnere innen alle disipliner fra de hanseatiske byene invitert til å sende inn arbeider med fokus på håndverk og materialitet til HANSEartWORKS 2016. Det begrensende formatet av en europall danner en felles ramme for samtlige verk.

Les mer om HANSEartWORKS

:
13.05 2016 - 7.08 2016

HEIMOM

ERLEND LEIRDAL

HEIMOM – Sosiale landskap

Til en Stockholmutstilling han deltok på for to år siden lagde Erlend Leirdal Homesick.(1) Dette verket består av tommestokker, snekkeriets fremste hjelpemiddel og slave med påtegnede tall og symboler. I det vegghengte Homesick ble tommestokkene plassert inniblant ville røtter og vridde greiner: her bølger og vrir de seg frilynt, og denne bunten danner til sammen et stort rektangel hvis omriss mimer det klassiske landskapsbildet.(2)
Les mer om HEIMOM

:
13.05 2016 - 7.08 2016

FARLIG HVERDAG

DAVID CALDER

Calder vil i Hvelvet vise en serie av åtte tankevekkende verk som reflekterer over mellommenneskelige relasjoner og risikoer i vårt daglige liv. Utstillingen søker å gi et annerledes innblikk i hverdagens farer. Verkene er i hovedsak utformet som metallobjekter i mindre format.

Les mer om FARLIG HVERDAG

:
1.04 2016 - 8.05 2016

HEDBERG, HAARSTAD, LI & STORDALEN

MASTERSTUDENTER ETT ÅR ETTER

Å velge materialer og teknikker, spesialisere seg innenfor disse, og benytte dette som fundament for utviklingen av nye kunstuttrykk er en viktig fellesnevner for de fire nyutdannede kunstnere i denne utstillingen. Kunnskap om materialenes egenskaper sammen med den praktiske forståelsen påvirker i stor grad det idémessige grunnlaget for utformingen av verkene. Hvordan ideéne utvikles videre, og de fysiske manifestasjonene av prosessene, slår allikevel svært ulikt ut.

Les mer om HEDBERG, HAARSTAD, LI & STORDALEN

:
1.04 2016 - 8.05 2016

VINE

KRISTINA AAS & KARINA NØKLEBY PRESTTUN

vine-webny

Kristina Aas og Karina Nøkleby Presttun har hatt god kontakt og jevnlig idéutveksling siden de møttes på avdeling for tekstil på Kunst- og designhøg­skolen i Bergen. Kristina gikk ut med master i 2011, Karina med bachelor i 2009.  Et mer konkret samarbeid begynte høsten 2015 etter en forespørsel om å stille ut i Kunstbanken på Hamar i september 2016.

Les mer om VINE

:
5.02 2016 - 13.03 2016

REPLANTED IDENTITY

IDEAL LAB

For å utforske identitet i en global kontekst har Ideal Lab invitert kunstnere, designere og innbyggere i to havnebyer og industrielle mikropoler: Saint-Nazaire i Frankrike og Florø i Norge. Les mer om REPLANTED IDENTITY

:
14.08 2015 - 4.10 2015

FABULA

HELENE KORTNER

I Prosjektrommet samles Kortners keramiske figurer med barokke aner til et lite formteater.  Les mer om FABULA

:
14.08 2015 - 27.09 2015

BERQVAM, FRANTZEN, IGLAND, NES, NØKLEBY PRESTTUN

Hvordan utfordres tekstile materialers fysikk, avgrensning og flathet, og hva kan hensikten være? Er en slik utfordring i det hele tatt nødvendig ettersom det skjer av seg selv, nærmest automatisk, i det øyeblikket materialet berøres av hånden?  Les mer om BERQVAM, FRANTZEN, IGLAND, NES, NØKLEBY PRESTTUN

:
8.05 2015 - 2.08 2015

KEEPERS OF MEMORIES LOST

ANNIKA ISAKSSON PIRTTI

I lys av digitale mediers tilgjengeliggjøring av det private utforsker Isaksson Pirtti vårt forhold til minner.

Les mer om KEEPERS OF MEMORIES LOST

:
10.04 2015 - 3.05 2015

KRUKKER OG FAT FOR MAT

Elisa Helland-Hansen

Elisa Helland-Hansen viser i utstillingen ‘KRUKKER OG FAT FOR MAT’ skåler for tilbereding, fat til servering, krukker for oppbevaring og mortere for knusing av krydder.

Les mer om KRUKKER OG FAT FOR MAT

:
6.02 2015 - 15.03 2015

INTO THE WOODS

ANNA TALBOT

Anna Talbot tilhører en ny generasjon av smykkekunstnere i Norge som står for en nyorientering innen feltet. Det er mange referanser i hennes arbeider til postmodernismens brudd med funksjons- og skjønnhetsorienterte smykker på 1980-tallet, både med hensyn til bruk av readymades og uedle materialer.

Les mer om INTO THE WOODS

:
6.02 2015 - 15.03 2015

NINETEEN TWEETS

INGEBORG RESELL ELIESON

Med sitt organiske formspråk lager Ingeborg Resell Elieson skulpturelle objekter av gjenbruksmaterialer, kapp og avfall. Arbeidene består av gjenkjennelige detaljer, som dekonstrueres, for senere å oppstå i ny form.

Les mer om NINETEEN TWEETS

:
14.11 2014 - 21.12 2014

SMYKKER & OBJEKTER

FELIEKE VAN DER LEEST

(…) Felieke van der Leest har styrka smykkefaget ved å bruka teknikkar frå tekstilarbeid. Ved å kombinera desse med gull, sylv og plastikk har ho gjennom 10 år utvikla sitt eige spesielle uttrykk.  Les mer om SMYKKER & OBJEKTER

:
31.10 2014 - 16.11 2014

100% KHIB – DEL 2

BERGENSDESIGNERE

100% KHiB – DEL 2 er en forlengelse av årets 100% Norway-utstilling i London. I regi av KRAFT – rom for kunsthåndverk presenterer Kunst- og designhøgskolen i Bergen smakebiter fra utstillingen. (Toppbilde: Siren Elise Wilhelmsen, Ly).

Les mer om 100% KHIB – DEL 2

:
9.10 2014 - 26.10 2014

100% KHiB – DEL 1

Studentarbeider

Vi innleder oktober måned med ny utstilling i Prosjektrommet. 100% KHiB – DEL 1 viser rykende ferske lamper og objekter designet av bachelorstudenter fra 3. året ved Kunst- og designhøgskolen i Bergen, vist på utstillingen 100% NORWAY i London tidligere i år. Les mer om 100% KHiB – DEL 1

:
3.10 2014 - 9.11 2014

SKY TRAVELLERS

REGIEN COX

Prosjektet er et forsøk på å fysisk konstruere tanker som ikke kan uttales, å bygge det uutsigelige – dette er Sky Travellers.

Les mer om SKY TRAVELLERS

:
3.10 2014 - 9.11 2014

WIRED BEINGS

Runa Vethal Stølen

Runa Vethal Stølen tilhører en yngre generasjon smykkekunstnere i Norge. Arbeidene hennes kan beskrives som skulpturelle smykker hvor repetisjon og rytme brukes for å kommunisere forholdet mellom orden og kaos.

Les mer om WIRED BEINGS

:
12.09 2014 - 5.10 2014

THIS IS NOT THE RIGHT COLOUR

Kiyoshi Yamamoto

KRAFT – rom for kunsthåndverk presenterer i perioden 12. september – 28. september 2014 THIS IS NOT THE RIGHT COLOUR av Kiyoshi Yamamoto. Utstillingen er satt sammen av et utvalg arbeider kunstneren produserte til årets festivalutstilling i forbindelse med Vossa Jazz.

Les mer om THIS IS NOT THE RIGHT COLOUR

:
15.08 2014 - 21.09 2014

MEDITATIONS ON A HOBBY HORSE

Versus

Kunstnergruppen Versus består av keramikerne Ane Fabricius Christiansen / Camille Rishøj Nielsen / Lea Mi Engholm / Mariko Wada/ Sissel Wathne

Gjesteutstillere : Morten Søndergaard, forfatter / Katrine Villadsen, musiker

Les mer om MEDITATIONS ON A HOBBY HORSE

:
24.06 2014 - 7.09 2014

EAT THIS 1

Enkelte mener det funksjonelle kunsthåndverkets tid er over, andre vil si at vi står fremfor en renessanse og fornyet interesse for faget. Tidligere var førstehåndskunnskap om håndverk og materialer en ren nødvendighet, mens det i dagens globale industrisamfunn utgjør en eksklusiv og verdifull motsats til masseproduksjonen. Kunsthåndverket er unikt, nært og personlig og knyttes opp mot en økt interesse for det kortreiste og bærekraftige.

Les mer om EAT THIS 1

:
13.06 2014 - 3.08 2014

GRUPPEUTSTILLING

CATO LØLAND, CORRINA THORNTON OG BJØRN MORTENSEN

De tre kunstnerene jobber i et vidt spekter av forskjellige medier og materialer. Bevissheten rundt materialitet og materialers iboende egenskaper står sentralt i de tre kunstnerskapene. Refleksjon og meditasjon rundt prosesser som omhandler nedbrytning og uorden vil stå sentralt i arbeidene som vises i denne utstillingen. Les mer om GRUPPEUTSTILLING

:
13.06 2014 - 3.08 2014

The Drop

RITA MARHAUG OG TRACI KELLY

The Drop (2.54 min) er en del av video og performancekunstsyklusen Performing the obsolete, et samarbeid mellom Traci Kelly og Rita Marhaug

Les mer om The Drop

:
5.05 2014 - 8.06 2014

DEMIURG

David Bielander

Slik tingene umiddelbart fremstår i David Bielanders forunderlige verden, viser de seg ved neste øyekast å kunne fremstå som noe helt annet. Les mer om DEMIURG

:
5.05 2014 - 8.06 2014

Skilnad og gjentaking

Ny utstilling hver uke

I dagens kunsthandverk finst det ei spenning mellom det å laga eineståande og unike arbeid, der det å skilja seg ut frå alt anna er den sentrale verdien, og det å tenkja og arbeida serielt, der repetisjon er ein positiv verdi. Det er denne spenninga eller motsetninga utstillinga Skilnad og gjentaking undersøkjer.

Les mer om Skilnad og gjentaking

:
5.05 2014 - 22.06 2014

Morten & Jonas

Møbeldesign

«Vi ønsker å ha en nysgjerrig og leken tilnærming til våre arbeider med tanke på uttrykk, materialer og mennesker. En god forståelse av form, funksjon og detaljering er også avgjørende, samt et lite drypp humor!»

Les mer om Morten & Jonas